Направлений в искусстве xx века. Основные направления изобразительного искусства XX века

Первую часть из 37 вопроса!

Модернизм (от франц. moderne современный), в искусстве совокупное наименование художественных тенденций, утвердивших себя во второй половине 19 века в виде новых форм творчества, где возобладало уже не столько следование духу природы и традиции, сколько свободный взгляд мастера, вольного изменять видимый мир по своему усмотрению, следуя личному впечатлению, внутренней идее или мистической грезе (веяния эти во многом продолжили линию романтизма). Наиболее значительными, часто активно взаимодействующими, его направлениями были импрессионизм, символизм и модерн. В советской критике понятие «модернизма» антиисторично применялось ко всем течениям искусства 20 века, которые не соответствовали канонам социалистического реализма.

Цели и устремления. Нигилистическая неприязнь к обществу, безверие и цинизм, особое «чувство бездны», привычно связываемые с понятием декадентства, часто отождествлявшегося с модернизмом, противоречиво соседствовали с конструктивными, «жизнестроительными» устремлениями, в особенности в сфере декоративно-прикладного искусства и архитектуры модерна (на базе которых непосредственно возник функционализм современного зодчества). Внешнее правдоподобие образов, первоначально нарушенное лишь легкой, импрессионистически-субъективной размытостью, со временем становится необязательным и излишним, и в 1900-е годы художники-модернисты вплотную подходят к границе абстрактного искусства, а некоторые пересекают ее.

Постмодернизм (постмодерн, поставангард) (от лат. post «после» и модернизм), совокупное название художественных тенденций, особенно четко обозначившихся в 1960-е годы и характеризующихся радикальным пересмотром позиции модернизма и авангарда.

Цели и устремления Отвергнув возможность утопического преобразования жизни с помощью искусства, представители постмодернизма приняли бытие таким, как оно есть и, сделав искусство предельно открытым, наполнили его не имитациями или деформациями жизни, но фрагментами реального жизненного процесса. Последний здесь обычно лишь критически корректируется, а не преображается целиком в нечто новое и невиданное. (Нередко данное понятие применяют расширительно, называя «постмодернистской» все последние десятилетия 20 века в целом, с их новой, то есть компьютерной, научно-технической революцией, распадом социалистической системы и т. д.).

В своем принципиальном антиутопизме постмодерн отказывается от подмены искусства философией, религией или политикой (не отказываясь, однако, от разнообразных видов художественного экспресс-анализа всех этих сфер культуры). Восстановление чистоты и автономии творчества влечет за собой усиление его независимой, по-своему «постидеологической» (то есть свободной) социальной чувствительности.

Стили : Абстрактный экспрессионизм, Реди-Мейд, ПопАрт, Примитивизм, Нет-Арт, Оптическое, Граффити, Гиперреализм, Ленд-Арт, Минимализм.

Абстрактный экспрессионизм послевоенный (кон. 40-х - 50-е гг. XX в.) этап развития абстрактного искусства. Сам термин еще в 20-е гг ввел немецкий искусствовед Э. фон Зюдов (E. von Sydow) для обозначения некоторых аспектов искусства экспрессионистов. В 1929 г американец Барр применил его для характеристики ранних работ Кандинского, а в 1947 г. назвал «абстрактно-экспрессионистскими» работы Виллема де Кунинга и Поллока. С тех пор понятие абстрактного экспрессионизма укрепилось за достаточно широким, стилистически и технически пестрым полем абстрактной живописи (а позже и скульптуры), получившей бурное развитие в 50-е гг. в США, в Европе, а затем и во всем мире. Прямыми родоначальниками абстрактного экспрессионизма считаются ранний Кандинский, экспрессионисты, орфисты, отчасти дадаисты и сюрреалисты с их принципом психического автоматизма. Философско-эстетическим основанием абстрактного экспрессионизма во многом явилась популярная в послевоенный период философия экзистенциализма.

Абстрактный экспрессионизм продолжил начатое Кандинским и сюрреалистами «освобождение» искусства от какого-либо контроля разума, логических законов и, более того, - от традиционных законов цветовых отношений, цветового синтаксиса европейско-средиземноморской культуры. Девизом абстрактных экспрессионистов стала формула: «Освобождение от правил, освобождение от формализма, от господства линейки и циркуля, но в первую очередь - освобождение свободно струящегося цвета от доктринерских законов формы» (Карл Рурберг). Главным творческим принципом художников абстрактного экспрессионизма стало спонтанное, автоматическое нанесение красок на холст исключительно под влиянием субъективных настроений и эмоциональных состояний. Радость, гнев, страсть, страх, страдание в буквальном смысле слова выплескиваются абстрактными экспрессионистами потоками красок на полотна. Манеры письма самые разные - от традиционной работы кистью до нанесения красок только шпателем, разливания их из банок, выдавливания из тюбиков, разбрызгивания из пульверизатора и т. п. Соответственно многообразны и возникающие цветовые структуры и по форме, и по цвету (от монохромных до резкого, бьющего по нервам буйства красок, не имеющего никаких аналогов в природе или в традиционной живописи). Разнообразен и спектр воздействия работ абстрактных экспрессионистов - от черных символических иероглифов Пьера Сулажа и медитативных огромных почти монохромных (с еле заметными тоновыми флюктуациями) полотен Марка Ротко до шокирующих глаз и психику зрителя «диких» по яркости, пластике и синтаксису полотен голландца Карела Аппеля.

Реди-мейд (англ. ready-made - готовый) Термин впервые введенный в искусствоведческий лексикон художником Марселем Дюшаном для обозначения своих произведений, представляющих собой предметы утилитарного обихода, изъятые из среды их обычного функционирования и без каких-либо изменений выставленные на художественной выставке в качестве произведений искусства. Реди-Мейд утверждали новый взгляд на вещь и вещность. Предмет, переставший выполнять свои утилитарные функции и включенный в контекст пространства искусства, то есть ставший объектом неутилитарного созерцания, начинал выявлять какие-то новые смыслы и ассоциативные ходы, неизвестные ни традиционному искусству, ни обиходно-утилитарной сфере бытия. Остро всплыла проблема релятивности эстетического и утилитарного. Первые Реди-Мейд Дюшан выставил в Нью-Йорке в 1913 г. Наиболее скандально известными из его Реди-Мейд стали «Колесо от велосипеда» (1913), «Сушилка для бутылок» (1914), "Фонтан«(1917) - так был обозначен обычный писсуар. Своими Реди-Мейд Дюшан достиг (осознанно или нет) ряда целей. Как истинный дадаист он эпатировал снобистских завсегдатаев художественных салонов начала века. Он довел до логического конца (или абсурда) традиционный для искусства прошлых столетий миметический принцип. Никакая живописная копия не может показать предмет лучше, чем он сам своей явленностью. Поэтому проще выставить сам предмет в оригинале, чем стремиться изображать его. Этим вконец была разрушена граница между искусством и видимой действительностью, сведены на нет все эстетические принципы традиционного классического искусства в Реди-Мейде помещались в пространство художественной экспозиции не из-за их какой-то особо значимой эстетической формы или других выдающихся качеств; принципиальной произвольностью их выбора утверждалось, что эстетические законы релятивны и конвенциональны.

ПОП АРТ . После второй мировой войны в Америке сформировался большой социальный слой людей, зарабатывавших достаточно денег, чтобы приобрести товары, которые им не были особенно важны. Например употребление товаров: Coca cola или Levi’s джинсы становятся важным атрибутом этого общества. Человек используя тот или другой товар, показывает свою принадлежность определенному социальному слою. Ток формировалась массовая культура. Вещи становились символами, стереотипами. Поп-искусство обязательно использует стереотипы и символы. Поп исскуство (поп-арт) воплотило в себе творческие искания новых американцев, которые опирались на творческие принципы Дюшана. Это: Джаспер Джонс, К. Олденбург, Энди Уорхол, и другие. Поп исскуство получает значение массовой культуры, поэтому неудивительно, что оно сформировалось и стало течением исскуства в Америке. Их единомышленники: Гамельтон Р, Тон Китай в качестве авторитета выбрали Курта Швитерса. Поп исскуству свойственно произведение - иллюзия игры, объясняющая суть объекта. Пример: пирог К. Олденбурга, изображенный различными вариантами. Художник может не изобразить пирог, а рассеять иллюзии, показать, что человек видит по-настоящему. Р.Раушенберг также своеобразен: он приклеивал к полотну разные фотографии, их обрисовывал и к работе приделывал какое-нибудь чучело. Одна из известных его работ_ чучело ежа. Также хорошо известна его живопись, где он использовал фотографии Кенеди.

ПРИМИТИВИЗМ . Наивное искусство. Это понятие используется в нескольких смыслах и фактически тождественно понятию «примитивное искусство» . В различных языках и разными учеными эти понятия используются чаще всего для обозначения одного и того же круга явлений в художественной культуре. В русском языке (как и в некоторых других) термин «примитивный» имеет несколько негативный смысл. Поэтому уместнее остановиться на понятии Наивное искусство. В самом широком смысле так обозначается изобразительное искусство, отличающееся простотой (или упрощенностью), ясностью и формальной непосредственностью изобразительно-выразительного языка, с помощью которого выражается особое, не обремененное цивилизационными условностями видение мира. Понятие появилось в новоевропейской культуре последних столетий, поэтому отражает профессиональные позиции и представления этой культуры, считавшей себя высшей ступенью развития. С этих позиций под Наивное искусство понимается и архаичное искусство древних народов (до египетской или до древнегреческой цивилизаций), например, первобытное искусство; искусство народов, задержавшихся в своем культурно-цивилизационном развитии (коренного населения Африки, Океании, индейцев Америки); любительское и непрофессиональное искусство в самых широких масштабах (например, знаменитые средневековые фрески Каталонии или непрофессиональное искусство первых американских переселенцев из Европы); многие произведения так называемой «интернациональной готики»; фольклорное искусство; наконец, искусство талантливых художников-примитивистов XX в., не получивших профессионального художественного образования, но ощутивших в себе дар художественного творчества и посвятивших себя самостоятельной его реализации в искусстве. Некоторые из них (французы А. Руссо, К. Бомбуа, грузин Н. Пиросманишвили, хорват И. Генералич, американка А.М. Робертсон и др.) создали истинные художественные шедевры, вошедшие в сокровищницу мирового искусства. Наивное искусство по видению мира и способам его художественной презентации в чем-то приближается к искусству детей, с одной стороны, и к творчеству душевнобольных - с другой.

Нет-арт (Net Art - от англ. net - сеть, art - искусство) Новейший вид искусства, современных арт-практик, развивающийся в компьютерных сетях, в частности, в сети Интернет. Его исследователи в России, вносящие вклад и в его развитие, О.Лялина, А.Шульгин считают, что суть Нет-арт сводится к созданию коммуникационных и креативных пространств в Сети, предоставляющих полную свободу сетевого бытия всем желающим. Поэтому суть Нет-арта. не репрезентация, а коммуникация, и своеобразной арт-единицей его является электронное послание. Различают по крайней мере три этапа развития Нет-арта., возникшего в 80-е - 90-е гг. XX в. Первый, когда начинающие художники Сети создавали картинки из букв и значков, имеющихся на клавиатуре компьютера. Второй начался, когда в Интернет пришли художники андеграунда и просто все желающие показать нечто из своего творчества. Появилась масса электронных галерей, салонов, кинотеатров, которые внесли в Сеть продукцию внешнего мира, не органичную Сети, использовали ее как посредник. Следующий этап состоял в освоении специальными сетевыми художниками собственно выразительных возможностей Сети, как некоего электронного энвайронмента или виртуальной реальности, внутри которых необходимо творить так, как невозможно работать в реальном мире.

ОП-АРТ (англ. Op-art - сокращенный вариант optical art - оптическое искусство) - художественное течение второй половины 20 века, использующее различные зрительные иллюзии, основанные на особенностях восприятия плоских и пространственных фигур. Течение продолжает рационалистическую линию техницизма (модернизм). Восходит к так называемому «геометрическому» абстракционизму представителем которого был В. Вазарели (с 1930 по 1997г.работал во Франции) - основоположник оп-арта. Возможности Оп-арта нашли некоторое применение в промышленной графике, плакате, оформительском искусстве. Направление оп-арта (оптического искусства) зародилось в 50-е годы внутри абстракционизма, хотя на сей раз иной его разновидности - геометрической абстракции. Его распространение как течения относится к 60-м гг. XX в. Первые опыты в области Оп-арта относятся к концу XIX в. Уже в 1889 г. в ежегоднике «Das neue Universum» появилась статья об оптических иллюзиях немецкого профессора Томпсона(Thompson), который используя чёрно-белые коцентрические окружности создавал впечатление движения на плоскости: колёса на рисунках Томпсона «вращаются» и круги «переливаются». Но это было более научное исследование особенностей зрения, нежели искусство. В 1955 г. в Париже оп-арт экспонировала в своей галерее Denis Rene. Но всемирную известность оп-арт получил в 1965 г.после Нью-Йоркской выставки «Чувствительный глаз» (The Responsive Eye) в музее современного искусства. На выставке «Арте-Фиера-77», проходившей в 1977 году в Болонье, в изобилии демонстрировались произведения художников этого направления - Виктора Вазарели, Еннио Финци и других.

ГИПЕРРЕАЛИЗМ (hyperrealism - англ.), или фотореализм (photorealism - англ.) - худож. течение в живописи и скульптуре, основанное на фотографии, воспроизведении действительности. И в своей практике, и в эстетических ориентациях на натурализм и прагматизм гиперреализм близок к поп-арту. их прежде всего объединяет возврат к фигуративности. Выступает антитезой концептуализму, не только порвавшему с репрезентацией, но и поставившему под сомнение сам принцип материальной реализации худож. концепта.

Магистральным для гиперреализма является точное, бесстрастное, внеэмоц. воспроизведение действительности, имитирующее специфику фотографии: принцип автоматизма визуальной фиксации, документализм. гиперреализма акцентирует механич., «технологич.» характер изображения, добиваясь впечатления гладкописи при помощи лессировки, аэрографии, эмульсионных покрытий; цвета, объемы, фактурность упрощаются. И хотя излюбленная проблематика гиперреализма - реалии повседневной жизни, городская среда, реклама, макрофотографич. портрет «человека с улицы», создается впечатление статичной, холодной, отстраненной, отчужденной от зрителя сверхреальности.

Гиперреализм возник в США во вт. пол. 60-х гг. Творчество его адептов в области живописи посвящено достаточно опр. тематике: усеченные рекламные щиты (Р. Коттин-гэм), брошенные автомобили (Д. Солт), витрины с отражающейся в них городской жизнью (Р. Эст, Р. Гоингз), конные бега (Р. МакЛиэн).

МИНИМАЛИЗМ (minimal art - англ.: минимальное искусство) - худож. течение, исходящее из минимальной трансформации используемых в процессе творчества материалов, простоты и единообразия форм, монохромности, творч. самоограничения художника. Для минимализма характерен отказ от субъективности, репрезентации, иллюзионизма. Отвергая классич. приемы творчества и традиц. худож. материалы, минималисты используют промышленные и природные материалы простых геометрич. форм и нейтральных цветов (черный, серый), малых объемов, применяют серийные, конвейерные методы индустриального производства. Артефакт в минималистской концепции творчества - определенный заранее рез-т процесса его производства. Получив наиболее полное развитие в живописи и скульптуре, минимализма, интерпретируемый в широком смысле как экономия худож. средств, нашел применение и в др. видах искусства, прежде всего театре, кинематографе.

Минимализм возник в США в пер. пол. 60-х гг. Его истоки - в конструктивизме, супрематизме, дадаизме, абстракционизме, формалистической амер. живописи к. 50-хгг., поп-арте. Непосредств. предшественником минимализма. является амер. художник Ф. Стелла, представивший в 1959-60 серию «Черных картин», где превалировали упорядоченные прямые линии. Первые минималистские произведения появляются в 1962-63Термин «минимализм.» принадлежит Р. Уолхейму, вводящему его применительно к анализу творчества М. Дюшана и поп-артистов, сводящих к минимуму вмешательство художника в окружающую среду. Его синонимы - «прохладное искусство», «АБВ-искусство», «серийное искусство», «первичные структуры», «искусство как процесс», «систематич. живопись». Среди наиболее репрезентативных минималистов - К. Андре, М. Бочнер, У. Де Ма-риа, Д. Флэвин. С. Ле Витт, Р. Мэнголд, Б. Мэрден, Р. Моррис, Р. Раймэн. Их объединяет стремление вписать артефакт в окружающую среду, обыграть естественную фактуру материалов. Д. Жад определяет его как «специфич. объект», отличный от классич. произведений пластич. искусств. Самостоят, роль играет освещение как способ создания минималистских худож. ситуаций, оригинальных пространственных решений; используются компьютерные способы создания произведений.

Социалистическое искусство

Соц-арт (социалистическое искусство) - одно из направлений постмодернистского искусства, сложившееся в СССР в 1960-1970-х гг., в рамках так называемой «Альтернативной культуры», противостоящей государственной идеологии того периода.

Соц-арт возник как пародия на официальное советское искусство и образы современной массовой культуры в целом, что нашло отражение в его ироничном наименовании, соединившем понятие соц-реализм с поп-артом. Создатели соц-арта прекрасно понимали пустоту, лживость и лицемерие официального искусства, стоявшего на службе тоталитарного режима. Используя и перерабатывая одиозные клише, символы и формы этого искусства и расхожие мотивы советской политической агитации, соц-арт развенчивал в игровой, зачастую эпатирующей форме их истинный смысл, пытаясь раскрепостить зрителя от идеологических стереотипов. Его объекты были, как правило, художественные коллажи, «цитирующие» советский официозно-государственный антураж по всем правилам поп-артовской эстетики, с использованием в структуре произведений реальных вещей и бытовых предметов. Ирония, гротеск, острая подмена, свободное цитирование любых приемов и стилей, использование разнообразных форм (от станковой живописи до пространственных композиций) стали основой броского, намеренно эклектичного художественного языка этого направления. Соц-арт отвергает веру во все, чего бы это ни касалось. Он стремится разрушить все культы, которые предлагаются человеку извне - политической, экономической, духовной и прочей властью; соц-арт не терпит ничего, что навязывает человеку неравноправное общение, опускает человека на колени и принуждает к подчинению. Для борьбы с культами соц-арт использует смех, лицедейство, мистификацию. Соц-артовцы предстают в гротескных и смешных ситуациях фигуры «начальников», политических вождей, духовных лидеров, выдающихся деятелей культуры и т.п. (а среди них оказываются не только большевистские вожди, но и Пушкин, Чайковский, Репин, Христос, Солженицын).

Изобретатели соц-арта хорошо ощущали пустоту, лживость, лицемерие и цинизм официозного советского искусства, стоявшего на службе тоталитарного режима. Свое отношение и к этому искусству, и к породившей его идеологии, они оригинально выразили, используя формы, символы, знаки, стереотипы этого искусства и политического пропагандистского инструментария.

Изобретателями соц-арта считаются московские художники Виталий Комар и Александр Меламид (цикл «Рождение соцреализма», «Сталин и музы», «Двойной портрет», «Крест и серп», «Демонстрация» 1972 год, «Дружба народов» 1974 год), вокруг которых во второй половине 1970-х гг. сложился круг молодых художников, разделявших их взгляды и убеждения. В разные годы к их объединению примыкали Александр Косолапов, Леонид Соков, Дмитрий Пригов, Борис Орлов, Эрик Булатов («Слава КПСС» 1975 год, «Улица Краскова» 1977 год), члены групп «Гнездо» и «Мухоморы». Соц-арт не был жестким стилевым направлением, он объединял весьма различных по своей манере авторов, не просто находящихся в «художественной оппозиции», но разрабатывающих в своем творчестве многослойные составляющие официальной идеологии и ее художественных догматов. К концу 1990-х гг. соц-арт практически перестал существовать, т.к. с изменением политической ситуации содержательная основа этого искусства стала не актуальной.

Мастера соц-арта: Виталий Комар, Александр Миламид, Эрик Булатов, Борис Турецкий, Александр Косолапов, Леонид Соков, Дмитрий Пригов, Борис Орлов, Ростислав Лебедев («Перестройка»), Григорий Брускин («Партнер» 1978 год).

Кинетическое искусство

Кинетическое искусство, Кинетизм -- направление в современном искусстве, обыгрывающее эффекты реального движения всего произведения или отдельных его составляющих. Кинетизм основывается на представлении о том, что с помощью света и движения можно создать произведение искусства. Объекты представляют собой движущиеся установки, производящие при перемещении интересные сочетания света и тени, иногда звучащие. Эти тщательно сконструированные устройства из металла, стекла или других материалов, соединённые с мигающими световыми устройствами, получили название «мобилей». Приемы кинетического искусства нашли широкое применение в организации шоу, выставок, оформлении парков и площадей.

Творческие поиски в данной области подготовили почву для расцвета кинетизма, который стал относительно цельным течением в искусстве начиная с 50-х годов. Среди «кинетических» экспериментов этого периода можно назвать «саморазрушающиеся композиции» Жана Тэнгели ("Слава Нью-Йорку" в Нью-Йорке, 1960 г.; "Этюды конца света" в Хемблбэке, Луизиана, и Лас-Вегасе, 1961-1962 гг.). От ранних беспредметно-геометрических композиций он перешел в 1954 г. к созданию картин и скульптур, которые называл "метамеханическими"; различные их части приводились в движение специальными моторчиками и тросами. Затем, к концу 1950-х гг., начал экспонировать "машины для живописи", - они изготовляли на глазах у зрителя беглые подобия абстрактно-экспрессионистских этюдов. Позднее сочетал в своих произведениях образный катастрофизм с монументальной стабильностью. В вещах Тэнгели росла роль цвета и игрового начала, рассчитанного на вовлечение зрителей в процесс управления арт-объектом. Среди его композиций - "Похвала глупости", рельеф, созданный для балета Р. Пети, 1966 г.; фонтаны "Карнавальный" - 1977 г., в центре Базеля.

Сюда же можно отнести композиции французского художника венесуэльского происхождения Хесус Рафаэля Сото, яркого представителя кинетического искусства. Сото интересовался оптическими эффектами. В его работах такие эффекты получаются путем наложения одного слоя на другой. Например, два рисунка на органическом стекле с промежутком между ними. Кажется, что они сливаются в новом пространстве. В 1955 Сото участвовал в выставке «Движение», которая проходила в галерее Д. Рене в Париже и которая отметила собой рождение кинетического искусства. С 1957 Сото использует металлические стержни, подвешенные на нейлоновых нитках и расположенные на фоне основы, изборожденной черными и белыми линиями. Перемещение зрителя и нестабильность конструкции создают оптические вибрации, влекущие за собой дематериализацию форм. С 1967 Сото все больше увлекается проблемой пространства и переходит от картин с помещенными перед ними рельефными элементами к инсталляциям стержней, расположенных вертикально перед стеной. Известны такие произведения, как La Boite(«Коробка»), 1967; Vibrations mйtalliques («Металлические вибрации»), 1969; Petite Vibration Brique et Noire, 1966.

Продолжает эксперименты Николя Шеффер (1912-1992) - французский художник венгерского происхождения, видный представитель кинетического искусства, один из родоначальников кибернетического искусства (1954) и видеоарта (1961). Он начал с новаторской живописи и уникальных пространственно-динамических скульптур, а затем пришёл к идее создания интерактивного кибернетического города-зрелища, «кинетического города» или «кинетических башен». Шеффер предложил разделить город по оси координат: жилые зоны линейно расположить по горизонтали, а все деловые, торговые и производственные учреждения разместить в гигантских небоскрёбах высотой до 1500 м.

Гюнтер Юккер - немецкий скульптор, мастер инсталляций и художник (родился в Западной Германии в 1930) начал использовать гвозди в своем искусстве, кроме этого, Юккер занялся изучением света, оптики, колебаний, которые позволяли ему влиять на визуальный процесс.

В начале 60-х он начал забивать гвозди в предметы мебели, музыкальные инструменты, и бытовые объекты, затем начал комбинировать гвозди с темой света, создавая легкие гвозди и кинетические гвозди. Так же он использовал природные материалы, такие как песок и вода.

Ярким примером русского кинетического искусства явился всемирно известный проект Владимира Татлина (1885-1953) - «Памятник III Интернационала» (1919-1920).

Концептуальное искусство

Концептуализм - течение в авангардистском искусстве 1960--90-х гг., поставившее целью переход от создания художественных произведений к воспроизводству «художественных идей» (так называемых концептов), которые инспирируются в сознании зрителя с помощью надписей, графиков, диаграмм, схем и т. п. Творчество осмысляется здесь как близкий по духу хэппенингу и перформансу, но, в отличие от них, зафиксированный в стабильной экспозиции процесс вовлечения зрителя в игру подобных концептов. Последние могут быть представлены фрагментами текстовой и изобразительной информации, в виде графиков, диаграмм, цифр, формул и др. визуально-логических структур либо (в более индивидуализированных вариантах концептуального искусства) в виде надписей и схем, декларативно повествующих о намерениях художника.

Само название «концептуальное искусство» появилось в 1967 (первым его применил американский художник С. Левит), годом же раньше его соотечественник Дж. Косут выставил этапную серию «Искусство как идея», представляющую собой ряд кратких словарных дефиниций, показанных в виде таблиц с увеличенными текстовыми фотокопиями. В 1969 Косут опубликовал программную статью «Искусство после философии», где доказывал, что важнее всего сам процесс арт-коммуникации, а не ее результат. Вскоре движение обрело интернациональный характер, вовлекая в свой круг (чуть раньше возникший) немецкий «флюксус», английскую группу «Искусство и язык», итальянское «бедное искусство», аргентинскую «группу Розарио» и другие радикальные течения.

В концептуальном искусстве 1970-х весьма резко проступили социально-протестные тенденции, обновившие методы фотоплаката и фотомонтажа, но затем в нем, как правило, доминировала либо отрешенная философская созерцательность, либо язвительная самоирония (типичная для стилистики т.н. «нео-гео» 1980--1990-х гг.). В число видных концептуалистов вошли (помимо вышеназванных) Х. Хааке, Б. Крюгер, Дж. Хольцер в США, Д. Бюрен во Франции, М. Мерц в Италии. К концу 20 в. приемы концептуального искусства -- с его парадоксальной зрительной информатикой -- были подхвачены коммерческой рекламой и прочно вошли в масс-медиальную культуру. Хааке начинал с критики медиа, заставляя зрителя усомниться в объективности информации. В 1969 году он сделал инсталляцию «Новости»: из телекса выходят неимоверно длинные рулоны бумаги с новостями в реальном времени от немецкого агентства DPA. Хааке буквально материализовал метафору «информационный мусор» - потоки информации постепенно превращаются в груду макулатуры, из которой уже невозможно извлечь внятное сообщение. В 1971 году Хааке сделал работу на основании компромата на некоего Шапольского, владельца недвижимости на Манхэттене, бывшего деловым партнером членов попечительского совета Музея Гуггенхайма. Выставку отменили за шесть недель до открытия, а сам художник пятнадцать лет не выставлялся в США. С тех пор связь корпораций и музеев - любимая мишень Хааке. Даниель Бюрен с конца 1960-х годов рисовал полосы равной ширины, чередуя два цвета, тем самым отказываясь от традиций.

В 1970-е, в сфере «неофициального искусства», настоящим мастер-классом отечественного концептуализма пребывала мастерская И. И. Кабакова, создававшего огромные визуально-графические серии, где бытовые реалии (большой коммунальной квартиры), несмотря на все свои дотошные подробности, очерчивали отсутствие и самих героев и скрепляющего их сюжета. В русле «московского концептуализма», признанным лидером которого был Кабаков, работали также супруги Р. А. и В. М. Герловины, группа «Коллективные действия» (под руководством А. В. Монастырского), поэты Д. А. Пригов и Л. С. Рубинштейн, а чуть позднее, уже на рубеже перестройки - группы «Медицинская герменевтика» (С. А. Ануфриев, Ю. А. Лейдерман, П. В. Пепперштейн) и «ТОТарт» (Н. Б. Абалакова и А. И. Жигалов). После снятия всех запретов на арт-авангард понятие «концептуальное искусство» стало в России весьма расплывчатым, превратившись почти что в синоним постмодернизма и охватив многие художественные явления не только в изобразительном искусстве, но также в литературе и театре.

Оптическое искусство (оп-арт)

Оптическое искусство (оп-арт) - художественное течение второй половины 20 века, использующее различные оптические иллюзии, основанные на особенностях восприятия плоских и пространственных фигур.

Направление оп-арта (оптического искусства) зародилось в 50-е годы внутри абстракционизма, точнее, его разновидности - геометрической абстракции. Его распространение как течения относится к 60-м гг. 20 в. Всемирную известность оп-арт получил в 1965 году после Нью-Йоркской выставки «Чувствительный глаз» в музее современного искусства. На выставке «Арте-Фиера-77», проходившей в 1977 году в Болонье, в изобилии демонстрировались произведения художников этого направления - Виктора Вазарели, Еннио Финци и других. Художники оп-арта нередко объединяются и выступают инкогнито: группа Н. (Падуя), группа Т. (Милан), группа Зеро (Дюссельдорф), группа поисков визуального искусства, возглавляемая Виктором Вазарели, которая дала первоначальный толчок движению оп-арта.

Оптическое искусство - искусство зрительных иллюзий, опирающееся на особенности визуального восприятия плоских и пространственных фигур. Оптическая иллюзия изначально присутствует в нашем зрительном восприятии: изображение существует не только на холсте, но в действительности и в глазах, и в мозге зрителя. Обратимся, например, к картине Бриджит Райли «Поток» (1964). Всю ее поверхность покрывают тонкие волнообразные линии. К середине изгибы становятся более крутыми, и здесь возникает видимость отделяющегося от плоскости зыбкого течения. В её работе «Катаракта-III», 1967 создаётся эффект движения волн. В другой черно-белой композиции Райли - «Прямая кривизна» (1963) - сдвинутые по центру и пересеченные ломаными линиями круги создают эффект объемной извивающейся спирали. В «Фрагменте № 6/9» (1965) той же художницы разбросанные по плоскости черные диски порождают скачку последовательных образов, мгновенно исчезающих и возникающих вновь. Так, в картине Виктора Вазарели «Тау-дзета» (1964) квадраты и ромбы непрерывно перестраиваются по схеме греческих букв, но так и не объединяются в определенную конфигурацию. В другой работе Вазарели - «Сверхновые» (1959-1961) две одинаковые контрастные формы создают ощущение перемещающейся вспышки, покрывающая поверхность сетка через некоторое время отделяется и зависает, а вписанные в квадраты круги исчезают и снова появляются в различных точках. Плоскость непрерывно пульсирует, то разрешаясь в мгновенную иллюзию, то снова смыкаясь в непрерывную структуру. Название картины отсылает к представлению о взрывах космической энергии и зарождению сверхновых звезд. Непрерывно колеблющиеся поверхности «сверхсенсорных» картин заводят восприятие в тупик, вызывают зрительный шок.

«Группа исследований визуального искусства» (объединение художников оптического и кинетического искусства) писала в своем манифесте «Довольно мистификаций» (1961): «Больше не должно быть произведений исключительно для: культурного глаза, чувствительного глаза, интеллектуального глаза, эстетского глаза, любительского глаза. Человеческий глаз является нашей исходной точкой».

Оп-арт постепенно приобретает интернациональный характер, в разных странах образуются целые группы художников: в Италии (Альвиани Де Векки, Коломбо Мари), Испании (Дуарте Ибаррола), Германии (Хаккер Мак Гравениц), Швейцарии (Тальман Герстнер), СССР (Вячеслав Колейчук). Отметим, что в Соединенных Штатах кризис абстракции порождает хард-эдж и минимализм, которые были вызваны теми же эстетическими потребностями.

Возможности оп-арта нашли некоторое применение в промышленной графике, плакате, оформительском искусстве.

Популярное искусство (поп-арт)

Поп-амрт (популярное искусство) - направление в изобразительном искусстве 1950-1960-х годов, возникшее как реакция на абстрактный экспрессионизм, использующее образы продуктов потребления. Поп-амрт основой своей эстетики взял образы заимствованные в массовой культуре и помещённые в иной контекст. Язык этого направления был парадоксален и неясен. Скрытая насмешка, лёгкая ирония над всем тем, что люди привыкли считать красотой, художественным творчеством, духовностью - это поп-амрт. Своими целями представители поп-арта провозгласили "возвращение к реальности", раскрытие эстетической ценности образцов массовой продукции. Они буквально воспроизводят типичные предметы современного урбанизированного быта (вещи домашнего обихода, упаковка товаров, детали машин и т. д.), широко пользуются привычным языком средств информации (штампованные приёмы рекламы, прессы, телевидения, кино, документальной фотографии, комиксов и т. д.). Международную известность американскому поп-арту принесли такие художники как Роберт Раушенберг, Рой Лихтенштейн, Джаспер Джонс, Джеймс Розенквист, Том Вессельман, Клас Олденбург, Энди Уорхол, в Великобритании П. Блейк, Р. Хамилтон, во Франции А. Фернандес; Н. де Сен-Фаль, в Германии П. Вундерлих.

В 1963 году в Нью-Йорке прошла выставка известного поп-арт художника Роберта Раушенберга. Первое что видели зрители при входе в зал, это совершенно белое полотно - “Белая картина”. Рядом находилась “Шарлин” - картина из помятых обрывков газет, осколков зеркал, обрывков рубашки, кусочков дерева и ткани, почтовой открытки, постоянно мигающей электролампы и расплющенного зонта. Так же здесь было выставлено известное произведение Раушенберга “Кровать”, представляющее собой одеяло, натянутое на подрамник и забрызганное краской.

В работах поп-арт художников того времени сквозит гордость за американские товары - доступные и дешевые. Он говорил о том, что поп-арт поменял местами внутреннее и внешнее. Представители это направления создавали образы узнаваемые всеми: шторы для ванной, бутылки колы, мужские штаны, столы для пикника, комиксы - всё то, что абстрактные экспрессионисты "не видели".

Клас Олденбург, тоже художник из Америки, создавал из разных материалов батоны, сосиски, помидоры, гамбургеры. Есть даже созданный им монумент в виде огромной разрезанной котлеты. Мир упаковок и муляжей, штампованных образов и манекенов. В поп-арте становится равным красивое и тривиальное, живое и синтетическое, высокое и низкое.

Минимализм

Минимализм - направление в живописи и скульптуре, распространившееся в 1960-1970-е годы преимущественно в США. Как явствует уже из названия, искусство минимализма сведено к своей основной сущности; оно чисто абстрактно, объективно и анонимно, лишено внешней декоративности или экспрессивного жеста. Живопись и графика минимализма монохромны и часто воспроизводят математически правильные решетки и линейные структуры. Скульпторы-минималисты используют промышленные процессы и материалы, такие как сталь, пенопласт или флюоресцентные трубки, для создания геометрических форм, часто - большими сериями. Подобная скульптура не прибегает ни к каким иллюзионистическим приемам, зато рассчитана на тактильное восприятие зрителем. Минимализм можно рассматривать как реакцию на эмоциональность абстрактного экспрессионизма, господствовавшего в искусстве на протяжении 1950-х годов. Наиболее известны такие минималисты, как Андре, Джадд, Келли, Ле Витт, Мэнголд, Райман, Серра, Стелла, Флавин.

Дэн Флавин - американский художник-минималист, известен скульптурными объектами и инсталляциями, созданными из флуоресцентных ламп. Впервые Флавин придумал использовать электрический свет как художественную форму в 1961. Его первая персональная выставка также прошла в 1961 в Галерее Джадсон в Нью-Йорке. Первыми работами с включением электрического света была серия «иконы»: восемь цветных квадратных форм, флуоресцентные лампы с лампами накаливания, закрепленные по сторонам. Одна из этих «икон» была посвящена брату-близнецу Флавина, Давиду, умершему от полиомиелита в 1962. Большинство работ Флавина были без названия, часто при этом посвящены друзьям, художникам, критикам: наиболее известные произведения включают «Монументы В. Татлину», над которыми он работал в период между 1964 и 1990. Последней работой Флавина было site-specific произведение в церкви S. Maria Annunciata in Chiesa Rossa в Милане, Италия.

Карл Андре - американский художник, представитель минимализма. Характерные черты скульптуры Андре - использование промышленных материалов, модульных единиц, артикуляция трехмерности посредством рассмотрения негативного и позитивного пространства. Андре стремился свести словарь скульптуры к базовым фонемам, таким как квадраты, кубы, линии и диаграммы. В 1960 Андре сделал наброски серии скульптур, которую он назвал «Элементы». Он предложил делать эти скульптуры из стандартных блоков дерева 12 x 12 x 36" (30.2 x 30.2 x 90.7 см). Важность «Элементов» даже в виде набросков заключается в решении использовать модульные единицы в регулярных повторяющихся композициях, принцип, который стал фундаментальным для его более поздних работ. В 1966 Карл Андре революционизировал скульптуру новаторскими работами (такими как «37 Pieces of Work», впервые была выставлена в Музее Гуггенхайма в 1970), которые лежали плоско на земле вместо того, чтобы подыматься вверх в окружающем пространстве. Андре приглашал зрителей прогуляться по скульптуре, так они могли получить на сенсорном уровне ощущения от различных материалов (таких как сталь и алюминий) и различия между стоянием в центре скульптуры и нахождением за пределами её границ. В 1970-х художник готовит ряд масштабных инсталляций, таких как "Блоки и Камни" в 1973 для Портлендского центра визуального искусства, а также работы для публичных пространств, как "Поле каменных скульптур" в 1977 в Хартфорде.

Дональд Джадд - американский скульптор и искусствовед, один из выдающихся представителей минимализма. Как художник он поначалу (в конце 1940-50-х) работал как живописец. В начале 1960-х Джадд начал добавлять трехмерные элементы на поверхность своих работ, сначала создавая рельефы, а затем перейдя к полностью автономным структурам, которые он называл «конкретными объектами». В 1963 он сформулировал основной «словарь» форм - «стопки», «коробки» и «прогрессии», с которыми работал последующие тридцать лет. Первоначально Джадд работал в дереве, промышленно изготовленные металлические ящики появились в конце 1960-х. В начале 1970-х его работы приняли форму инсталляций, Джадд начал выставлять работы на открытом пространстве. Используя промышленные материалы для создания абстрактных произведений, которые подчеркивают чистоту цвета, формы, пространства и материалы, Джадд описывал собственную работу как «простое выражение сложной мысли».

Ричард Серра начинает свою творческую карьеру как скульптор-минималист. В конце 1960-х годов он начинает работать с металлом. В это время он знакомится с такими мастерами минимализма, как Роберт Смитсон, Дональд Джадд, Карл Андре. К этому творческому периоду относятся его серия работ с резиной и неоновыми лампами. В 1966 году состоялась первая персональная выставка Серры в Риме, в 1968 году - выставка в Кёльне. В 1977 году он участвует в выставке современного искусства документа 6 в Касселе.

Нонконформизм

Нонконформимзм (от лат. non - «не» и поздне лат. conformis - «подобный», «сообразный») - стремление индивида придерживаться и отстаивать установки, мнения, результаты восприятия, поведение и так далее, прямо противоречащие тем, которые господствуют в данном обществе или группе.

Нонконформизм в искусстве - особенное свойство художественного творчества, выраженное в новаторстве творческого мышления в художественных образах. Нонконформизм предполагает отвлечение от условий обыденной, материальной действительности. Напротив, социалистическому реализму, академизму, натурализму, различным формам салонного и массового искусства свойственен конформизм - приспособление под сложившиеся вкусы, общественные мнения и сложившиеся установления, выполнение "социального заказа". Нонконформисты ведут себя неадекватно общественным правилам, поскольку отвергают не только собственное благополучие, но и нарушают покой и конформизм других людей. Нонконформизм вызывают неприятие, раздражение обывателей, властителей, заказчиков. В отличие от официального, нонконформистское искусство оказывает предпочтение не содержанию, а в большей степени художественной форме, в создании которой художники были совершенно самостоятельны и свободны.

Искусство нонконформизма - экзистенциалистское по своей сути, так как утверждает абсолютную уникальность отдельного индивидуума. Идеалистическая эстетика нонконформистов основывается на представлении о внутреннем "Я" художника как источнике прекрасного. В таком представлении содержался бунтарский протест нонконформистов против объективизированного мира, преодоление пропасти между объективностью и субъективностью, что привело в творчестве к выражению проблемы бытия в тревожных и необычных формах.

Нонконформизм, как искусство экзистенциалистское, основан на разговоре художника со своей душой, и картина может возникать не только из сильных однозначных чувств, но и из совокупности впечатлений, упоминаний, внутренней необходимости увековечить бессловесную красоту.

Известные художники-нонконформисты: Дмитрий Плавинский («Ракушка», 1978), Оскар Рабин («Натюрморт с рыбой и газетой «Правда»»,1968); Лев Кропивницкий («Женщина и жуки», 1966); Дмитрий Краснопевцев («Трубы», 1963); Владимир Немухин («Незаконченный пасьянс», 1966); Анатолий Зверев(«Женский портрет», 1966); Лидия Мастеркова («Композиция», 1967); Владимир Яковлев («Кошка с птицей, 1981); Эрнст Неизвестный («Сердце Христа», 1973-1975); Эдуард Штейнберг («Композиция с рыбой», 1967); Михаил Рогинский («Красная дверь», 1965); Олег Целков («Голгофа», 1977); Юло Соостер («Красное яйцо», 1964).

Изображать не оригинал, а отношение к нему (Пабло Пикассо)

Добро пожаловать на блог!

Направления современного искусства и музеи мира. Всем нам хронически не хватает времени на «поглощение» всей информации во всех интересных для нас областях, поэтому я решила подготовить этот гид по современному арту .

Он будет максимально лаконичным. Мы рассмотрим основные направления современного искусства, а также самые известные музеи мира современного искусства, в которых они представлены. Кстати, это может послужить дополнительным стимулом к новым путешествиям!

В конце статьи вы найдёте видео обзор одного из самых интересных музеев — Театра-Музея Сальвадора Дали в Фигерасе (Испания).

Вы узнаете из статьи:

• где и как появилось каждое из направлений современного искусства, его идеи
• кто самые яркие представители направления
• места, где можно увидеть их работы

Мы рассмотрим 50 самых значимых и ярких направлений 20-21 веков , которые стали революционными и определили ход событий в будущем. Пожалуй, не получится вместить всю информацию в одну статью, поэтому придётся разбить её на 3 части по периодам зарождения каждого из направлений современного искусства.

Гид по современному арту будет включать 3 статьи:

• Часть 1. Первая половина 20 века ( рассмотрим в этой статье )

Если Вы захотите углубиться в каждое из направлений современного искусства (в каждом есть ответвления) и увидеть множество работ их самых ярких представителей, очень рекомендую Вам воспользоваться проектом Гугла Google Art Project . Также рекомендую Вам эти блоги, чтобы разобраться, что происходит в современном искусстве и дизайне: But Does It Float , Them Thangs , American Suburb X , M U S E O .

Направления современного искусства 1-й половины 20 ВЕКА. Самые известные музеи мира современного искусства.

В этой части мы рассмотрим эти самые яркие направления первой половины XX века:

1. Модернизм
2. Постимпрессионизм
3. Авангардизм
4. Фовизм
5. Абстракционизм
6. Экспрессионизм
7. Кубизм
8. Футуризм
9. Кубофутуризм
10. Формализм
11. Натурализм
12. Новая вещественность
13. Дадаизм
14. Сюрреализм

20 век — время самых неожиданных, а иногда даже сумасбродных идей. Но без них искусство скорее всего пошло по другой дороге развития. И осталось бы преимуществом небольшого числа посвященных. Но новые направления в искусстве «приблизили» искусство к жизни и можно сказать «вывели» его на улицы, к обычному прохожему. Сделали этого прохожего соавтором своих работ. Возможность творить и понимать искусство стала доступна не только элите, а многим .

Девизом арта 20 века века стали слова «Искусство — в жизнь»

Искусство жеста, реди-мейд, инсталляции актуальны до сих пор. Нет-арт, и массюрреализм, и суперплоскость — адекватные своему времени направления искусства, потому что обращаются к современному человеку на языке, который ему понятен.

В нашем веке похожая история произошла с профессией фотографа. Благодаря появлению цифрового фото, интернету и соц сетям, доступности фотоаппарата (он просто стал дополнением к телефону), сейчас эта интереснейшая область деятельности стала доступна абсолютно всем. Сейчас каждый второй — это талантливый фотограф, имеющий красивый эккаунт c фотографиями в Instagram, Pinterest, Facebook, др. соцсетях. Детальнее об этом феномене нашего века читайте в статье о технологическом социализме ().

1. МОДЕРНИЗМ. Художники модернисты. Новаторское направление конца 19 — начала 20 века, поставившее под сомнение традицию реалистичности изображения

Модернизм — это все направления в арте, которые появились после 1863-го и до середины 20 века. В 1863-м году в Париже открылась выставка Салон отверженных — альтернатива официального Салона. Целью нового искусства было создание произведений не с реальным изображением, а с учётом видения мира автора.

Художники модернисты — Шагал, Пикассо, Модильяни, Борисов-Мусатов, Климт и другие художники от импрессионистов до сюрреалистов сделали прорыв, революцию в искусстве. Считали: взгляд человека на мир уникален и неповторим. И традиция реалистично изображать в скульптуре и живописи устарела.

Дальше больше — дадаисты вообще поставили под сомнение значимость и сущность искусства. Их сомнения привели к появлению концептуального искусства, которое обсуждало не исполнение произведения, а его идею. Импрессионисты стали устраивать свои выставки, появился арт-рынок и искусство стало одной из форм капиталовложений.

2. ПОСТИМПРЕССИОНИЗМ. Постимпрессионизм в живописи отталкивался от импрессионизма, но передавал не состояние, а отдельный момент

Постимпрессионизм в живописи стал связующим звеном между 19-м и 20-м веками. Это направление не принадлежало ни к импрессионистам, ни к реалистам. Эти художники искали середину, каждый по своему, изобретая новые техники: пуантилизм (Поль Синьяк, Жорж Сёра), символизм (Поль Гоген и группа Наби), линейно-живописный стиль модерн (Анри де Тулуз-Лотрек), конструктивная основа предмета (Поль Сезанн), и предвещающая экспрессионизм живопись Винсента Ван Гога.

Смотреть. Художники постимпрессионисты представлены во многих музеях. Картины Жоржа Сёра — в Королевском музее изящных искусств (Брюссель, Бельгия), Эмиля Бернара — в Музее Орсе (Париж, Франция), Винсента Ван Гога — в одноименном музее (Амстердам, Голландия), Анри де Тулуз-Лотрека — в музее его имени (Альби, Франция), Анри Руссо — в Московском музее современного искусства (Россия).

3. АВАНГАРДИЗМ. Самые новаторские направления, которых в 20 веке можно было насчитать 15, от фовизма до поп-арта

Художники авангардисты понимали, что рисовать мир таким, каким он есть, стало бессмысленно. Поразить зрителя, который верил в прогресс и сверхчеловека Ницше, можно было только чем-то экстравагантным. Но не пейзажами.

Поэтому авангардисты отказались абсолютно от всего, что было «классическим» и выглядело «красивым». И теперь, всё, что выглядело эпатажным и требовало ассоциаций и воображения, стало называться авангардом. Авангардисты презирали детали, потому что верили, что мир универсален.

Это авангардистам принадлежит девиз «Искусство — в жизнь!». Ключевые направления авангардизма — инсталляция, реди-мейд, хеппенинг, энвайронмент, а также электронная музыка, фотография, кино.

Смотреть: Авангардизм в живописи представлен работами Марселя Дюшана, Жоржа Брака, Пабло Пикассо, Сальвадора Дали, Анри Матисса — в Эрмитаже (Санкт-Петербург, Россия), Центре Жоржа Помпиду (Париж, Франция), Музее современного искусства (Нью-Йорк, США), Музее Гуггенхайма (Нью-Йорк, США).

4. ФОВИЗМ. Направление, к которому принадлежала группа художников «Дикие звери»

Фовизм стал самым 1-м авангардным направлением в искусстве 20 века. От него до абстракционизма оставался 1 шаг.

«Дикими» художники фовисты были в первую очередь в цвете. Анри Матисс, лидер группы, использовал в своих работах модные тогда мотивы цветных японских гравюр. Для усиления эффекта фовисты использовали довольно часто цветной контур. «Дикие» очень повлияли на немецких экспрессионистов.

Смотреть: Фовизм в живописи представлен в Центре Жоржа Помпиду (Париж, Франция), Музее Орсе (Париж, Франция), Музее современного искусства (Балтимор, США).

5. АБСТРАКЦИОНИЗМ. Первое в истории арта направление живописи, которое отказалось изображать мир реальным

Художники абстракционисты, основоположники направления — Кандинский, Малевич, Мондриан, Делоне. Они назвали абстракцию новым этапом в живописи. Утверждали, что теперь абстракция может создавать формы, которые существуют только в искусстве. Например, Черный квадрат Малевича может вместить в себя всё, что вмещает черный цвет и форма квадрата, например, всю историю искусства.

Различают лирический и геометрический абстракционизм. К геометрическому абстракционизму относятся супрематизм Малевича, орфизм Делоне, неопластицизм Мондриана. К лирическому — работы Кандинского, некоторых экспрессионистов (Поллока, Горки, Мондриана), ташистов (Вольса, Фотри, Саура), информалистов (Тапиеса, Дюбюффе, Шумахера).

Смотреть: Государственный русский музей (Санкт-Петербург, Россия), Третьяковская галерея (Москва, Россия), Национальный художественный музей и Киевский музей русского искусства (Киев, Украина), Музей современного искусства (Нью-Йорк, США).

6. ЭКСПРЕССИОНИЗМ. Художники экспрессионисты изображали яркие картинки с муторными сюжетами.

Эгон Шиле. Валли в красной блузе, с поднятыми коленями, 1913

Экспрессионизм в живописи связан с творчеством 2-х арт объединений. «Мост» — основано в 1905 году Кирхнером, Шмидт-Ротлуфом и Хеккелем и «Синий всадник» — в 1911-м Марком и Кандинским.

«Мост» опирался на африканскую скульптуру, немецкую готику и народное творчество, а «Синий всадник» — на космологию и мистические теории, которые привели их к абстракции. Язык экспрессионистов — это деформации, яркие краски, экзальтированные образы.

Оба объединения имели довольно болезненное мировосприятие, которое было доведено до предела их последователями — Эдвардом Мунком, Максом Бекманом и Джеймсом Энсором.

Смотреть: Музей Эдварда Мунка (Осло, Норвегия), картины Джеймса Энсора — в Королевском музее изобразительных искусств в Антверпене (Бельгия).

7. КУБИЗМ. Французские художники кубисты попробовали изобразить мир с помощью геометрических фигур.

Подобно другим направлениям, кубизм в живописи прошел развитие от грубых массивных форм до мелких, а затем, ушел с головой в коллаж. Опыт показал, что простых геометрических фигур слишком мало и они грубы для того, чтобы отобразить мир. А вот в коллажах кубисты могли использовать яркие, объемные, фактурные предметы и тем самым на некоторое время продлили жизнь этому направлению.

Очень интересные высказывания о кубизме написаны его современниками, например, русский философ Бердяев назвал кубизм «самой радикальной революцией со времён Ренессанса». Хэмингуэй сказал: «Чтобы понять кубизм, нужно увидеть, как выглядит земля из иллюминатора аэроплана».

Смотреть: Пикассо лучше всего смотреть в музее его имени (Барселона, Испания), Маркуси, Брака и Леже — в Музее современного искусства (Нью-Йорк, США), Александра Архипенко — в Украинском музее искусств (Нью-Йорк, США), Музее современного искусства (Нью-Йорк, США), Национальном художественном музее (Киев, Украина).

8. ФУТУРИЗМ. «Искусство будущего» начала 20 века, которое повлияло на искусство будущего во всем мире.

Впервые в истории художники официально отреклись от всего, что было создано до них и взялись за изображение мира по-новому. Они считали, что артист должен держать руку на пульсе своего времени.

Художники футуристы рисовали и реалистичные пейзажи, и абстракции с изображением скорости, энергии и движения. Футуризм в живописи отталкивался от предшествующих направлений — фовизма (в плане цвета), кубизма (в плане формы).

Футуристы прославились своими провокационными выступлениями и акциями. Они по сути были первыми перформансами и арт-жестами. Идеи итальянцев подхватили русские и украинские художники и поэты.

Смотреть: Работы Джакомо Баллы, Фортунато Деперо, Умберто Боччони, Джино Северини — в Музее современного искусства Тренто и Роверето (Роверето, Италия), Музее современного искусства (Нью-Йорк, США), Национальной галерее современного искусства (Рим, Италия). Русских и украинских футуристов можно посмотреть в Музее изобразительного искусства им. Пушкина (Москва, Россия), Национальном художественном музее Украины (Киев, Украина), Днепропетровском художественном музее (Днепр, Украина).

9. КУБОФУТУРИЗМ. Направление, объединившее многих восточноевропейских абстракционистов.

Кубофутуризм в живописи стал смесью идей кубизма, футуризма и народного примитивизма. «Русский кубизм» прожил всего 5 лет, но благодаря ему появились такие яркие направления прошлого века, как супрематизм (Малевич), конструктивизм (Лисицкий, Татлин), аналитический арт (Филонов).

Художники кубофутуристы сотрудничали с поэтами-футуристами (Хлебников, Гуро, Крученых), от них они получали новые идеи.

Смотреть: Малевича — в Муниципальной галерее Амстердама (Голландия), Государственном русском музее (Москва, Россия), Третьяковской галерее (Москва, Россия), Работы Бурлюка, Экстер, Гончаровой — в Национальном художественном музее (Киев, Украина).

10. ФОРМАЛИЗМ. Направление, которое подразумевало преимущество формы перед смыслом

Кубизм, футуризм, фовизм, абстракционизм схожи тем, что изображают мир отличным от реальности. Над теорией формализма работали многие немецкие искусствоведы — Фидлер, Ригль, Вёльфлин, Они обосновали доминанту формы в искусстве, при помощи которой создаётся «идеальная действительность».

На основе этой идеи в 1910-х в России появилась лингвистическая школа формализма. Благодаря ей литературоведение стало наукой мирового значения.

Смотреть: Музей Матисса в Нице (Франция), Музей Пикассо в Барселоне (Испания), Галерея Тейт (Англия).

11. НАТУРАЛИЗМ. Направление в литературе и арте, которое возникло под влиянием идей позитивистов

Американские и европейские художники натуралисты, сторонники модных тогда идей позитивистов Спенсера и Конта, стали подражать науке, изображая мир без прикрас, бесстрастно, объективно. Очень скоро они скатились к социалке и биологизму: стали изображать портреты маргиналов, патологии, сцены насилия.

Смотреть: Картины художников натуралистов Макса Либермана — в картинной галерее Кунстхале (Гамбург, Германия), Люсьена Фрейда — в Музее современного искусства (Лос-Анжелес, США).

Натурализм в живописи повлиял на творчество таких художников, как Дега и Мане. Фотографичность и деэстетизация натурализма в 20 веке проявится в гиперреализме, но тут она несет другой смысл. Художники гиперреалисты не стремятся копировать повседневную реальность. Объекты их живописи очень детализированы и создают иллюзию реальности. Ложную, но убедительную.

12. НОВАЯ ВЕЩЕСТВЕННОСТЬ. Неоклассицизм — представлен творчеством немецких художников 20-30 гг

Директор галереи в Мангейме назвал «новой вещественностью» творчество юных дарований, которые выставлялись у него в галерее в 1925 году. Они отрицали идеи экспрессионизма и пропагандировали возврат к реалистичности передачи действительности.

Они считали, что изображать мир на холсте надо фотографически точно, во всей его неприглядности. Но их реалистичность скорее можно было отнести к гротеску, чем к правде.

Новые вещисты Георг Гросс, Макс Бекман, Отто Диск — мастера статичных композиций и преувеличенных форм.

Смотреть: Георг Гросс, Отто Диск — в Новой национальной галерее (Берлин).

13. ДАДАИЗМ. Антикультурное и антивоенное движение, названное французами в честь деревянной лошадки

Единственным смыслом творчества дадаисты считали создание чего-то смешного, поскольку мир безумен. Первые дадаисты — жители Цюриха Гюльзенбек, Балль, Янко, Арп устраивали шумные и веселые вечеринки, издавали журнал, читали лекции.

У них были последователи в Берлине (больше были вовлечены в политику), Кельне (прославились выставкой, на которую можно было попасть только через туалет), Париже (увлеклись провокационными акциями). Главным дадаистом стал Марсель Дюшан, автор концепции «реди-мейд» и первый смельчак, который дорисовал Джоконде усы. А также Пикабиа, выставлявший фантастические конструкции, которые были одновременно и приговором, и гимном индустриальному обществу.

Смотреть: Работы Дюшана и Пикабиа — в Английском музее Виктории и Альберта (Лондон, Англия), Национальном музее искусства Каталонии (Барселона, Испания), Музее Гуггенхайма (Нью-Йорк, Сша), Арт-Институте Чикаго (США).

14. СЮРРЕАЛИЗМ. Мощное направление 1-й половины 20 века, которое вдохновлялось грезами, снами и галлюцинациями.

Художники сюрреалисты, называвшие себя прямыми последователями дадаистов, провоцировали зрителей, меняли сознание, переворачивали традиции с ног на голову.

Изначально сюрреализм появился в литературе (журнал Литература и Сюрреалистическая революция, автор Андре Бретон). Художники зачитывались Фрейдом и Бергсоном и считали источником творчества подсознательное — сны, галлюцинации.

Представители первого направления сюрреализма в живописи (Эрнст, Миро, Массон) изображали размытые образы. Второго (представители Дали, Дельво, Магритт) — правдоподобные, точные, но нереальные ландшафты, персонажи. Красивый обман моментально покорил мир. Сюрреализм дал толчок появлению поп-арта, хеппенинга и концептуального арта.

Смотреть: Театр-музей Дали в Фигерасе (Испания), Музей-квартира Рене Магритта в Брюсселе (Бельгия), музей Метрополитен и музей современного искусства (Нью-Йорк, США), Галерея современного искусства Тейт (Лондон, Великобритания).

В этой части мы познакомились с самыми яркими направлениями арта 1-й половины 20-го века. В следующей публикации мы с вами рассмотрим направления середины прошлого века.

Резюме

1) Из статьи вы узнали об основных самых ярких направлениях арта 1-й половины XX века : Модернизм, Постимпрессионизм, Авангардизм, Фовизм, Абстракционизм, Экспрессионизм, Кубизм, Футуризм, Кубофутуризм, Формализм, Натурализм, Новая вещественность, Дадаизм, Сюрреализм.

2) Думаю, у вас появилось желание отправиться в путешествие, чтобы посетить самые известные музеи мира , в которых представлены все направления современного искусства. Даже если у вас сейчас нет такой возможности не огорчайтесь, главное: мечтайте и ваша мечта сбудется! Проверено!

Посмотрите для вдохновения видео обзор необыкновенного, потрясающего Музея-Театра Дали художника-сюрреалиста Сальвадора Дали , расположенный в городе Фигерасе, в Каталонии (Испания). От Барселоны до Фигерас доехать можно всего за 53 минуты. Цена билета начинается от 20 евро. Как спланировать идеальное путешествие в Барселону читайте в этой полезной статье .

От всей души желаю Вам поскорее отправится в путешествие, чтобы увидеть работы Ваших любимых мастеров!

Желаю всем радоваться и мечтать!

P.S .

Пишите свои мысли и вопросы в комментариях, что Вы думаете о современном искусстве?

Подпишитесь на самые интересные статьи — форма подписки под статьей

В 20 веке человечество пережило не­сколько глобальных кризисов, две ми­ровые войны, господство тоталитарных режимов в Германии, Италии, Испании и в СССР, а также множество социаль­ных революций. Революции произошли и в области науки и техники. Ритм жизни невообразимо ускорился.

Все это не могло не отразиться на культуре и искусстве, где возникло мно­жество новых школ и направлений. Эти школы и направления часто не признавали друг друга, боролись, возникали и гибли, но при этом у них была одна общая чер­та - все они отрицали художественные ценности прошлого, старую мораль и ус­тоявшиеся формы общественной жизни.

Новые течения в искусстве критики обозначили понятием модернизм, то есть нечто новое, резко отличающееся от все­го традиционного и привычного. Худож­ники-модернисты занимались поисками собственного неповторимого художест­венного языка, но при этом их внимание привлекали культуры стран Азии, Афри­ки и Америки, темы и формы народного творчества. Все это использовалось в ка­честве средств, с помощью которых мож­но понять и воссоздать новый, бесконеч­но изменившийся мир современности.

Испанская трагедия

Выдающийся художник 20 века Пабло Пикассо также прошел через увлечение кубизмом. Несмотря на то, что впос­ледствии его творчество стало гораздо более близ­ким реализму, принцип деформации пропорций гениально использован в его знаменитом полотне «Герника», посвященном трагедии испанского городка, разбомбленного фашистами в 1937 году.

Одно из новых направлений в живописи - футуризм - преклонялось перед возможностями науки и техники. Залог прогресса человечества футуристы видели в развитии машинной цивилизации.

В 20-30-е годы 20 века на смену модернизму пришел авангардизм. Авангардисты яростно обру­шивались на традиционные направления и стили, отрицали вечные ценности. Из рядов авангардис­тов вышло немало художников и теоретиков искус­ства, которые стали основателями целых направ­лений в современном изобразительном искусстве, дизайне, скульптуре, литературе и музыке.

На заре 20 века, начавшегося с грандиозной всемирной бойни - Первой мировой войны,- многим людям искусства мир представлялся жес­токим, абсурдным, полным бессмысленных конф­ликтов. Ощущения трагизма истории, одиночества и заброшенности человека нашли свое отражение в творчестве крупнейших живописцев этого вре­мени - Сальвадора Дали и Пабло Пикассо.

Художников-сюрреалистов интересовало все то, что выходит за рамки реальной жизни, обыденнос­ти: мечты, причуды воображения, сны и галлюци­нации. Они создавали небывалые образы и умели совершенно по-новому увидеть привычные вещи и человеческие отношения.

Испанский живо­писец, график и пи­сатель Сальвадор Дали (1904-1989) прославился как создатель самых не­вероятных образов. На его полотнах обычные предметы вытягиваются, из­гибаются, причуд­ливо деформиру­ются, превращаясь в нечто совершен­но иное.

К сути вещей

Выдающийся французский художник Поль Гоген (1848-1903) бежал от цивилизации на острова южной части Тихого океана, надеясь найти там первозданный покой и гармонию. Пользуясь упрощенными форма­ми и почти плоским изображением предметов, яркими красками и причудливой композицией, Гоген пытал­ся показать суть предметов, а не их видимую оболоч­ку. Такая творческая манера позднее получила название «примитивизм». К примитивистам относили художни­ков А. Руссо во Франции, У. Альфреда в Великобрита­нии, М. Ларионова и Н. Гончарову в России.

Квадрат и бесконечность

Последней ступенью разры­ва с действительностью стал супрематизм (от латинского supreme - «высший») русского художника Казимира Малевича (1878-1935). Малевич считал, что квадрат является формой, в высшей степени свободной от всякого содержания.

Наряду с модернизмом и авангардизмом продолжалось развитие реалистических направлений в искусстве. Творчество художников-реалистов опиралось на веру в силы и возможности человека, ими двигала надежда, что человек так или иначе су­меет справиться с хаосом и жестокостью и достигнет гармонии с миром. В годы после Второй мировой войны многие модер­нистские и авангардные течения в искусстве пережили кризис. Искусство стремилось увидеть мир после страшной катастрофы трезвым взглядом. В живописи этого периода появляется не­ореалистическое направление, подчеркивающее свою близость к традициям классического реалистического искусства.

Против насилия и зла

Реалистическое искусство 20 века нередко использовало достижения и приемы дру­гих, нереалистических художественных на­правлений. Так, выразительные средства экспрессионизма помогали немецкой ху­дожнице Кете Кольвиц (1867-1945) ост­ро и однозначно выразить свое отношение к угнетению, насилию, войне в графических сериях «Восстание ткачей» и «Крестьянс­кая война». Но это все осталось в прошлом. Современное искусство куда более интересное. С таким мнением согласятся и культурные деятели, которые работают над популяризацией своей отрасли. Мы живем в XXI веке, а потом должны придерживаться современных взглядов.

Направления в искусстве представляют собой систему художественных приемов, средств выразительности, которые призваны выразить определенную идею, мировоззрение, доминирующее в определенном сообществе на данном отрезке времени. Стили развивались на протяжении последнего тысячелетия, последовательно сменяя друг друга. Иногда новый стиль возникал, как продолжение и развитие предшествующего, иногда становился следствием борьбы с идеями предшественника.

В отдельных случаях выделить стиль настолько сложно, что его скорее относят к категории направления. Так символизм, кубизм можно отнести, как самостоятельно сформированным стилем, так и считать их направлениями всеобъемлющего модернизма.

Каждая эпоха рождала не один художественный стиль. Изучая произведения искусства можно узнать лучше то время, в которое сформировался и господствовал тот или иной художественный стиль.

Основные направления в искусстве X - XIX веков

Романский стиль (X - XIII вв)

Готический стиль (XIII - XVI вв)

Барокко (XVI - XVIII вв)

Классицизм (XVII - XIX вв)

Сентиментализм (XVIII в)

Романтизм (XVIII - XIX вв)

Реализм (XIX в)

Основные направления в искусстве XX века

Символизм

Импрессионизм

Сюрреализм

Сложился в 1920-х годах прошлого века и представляет собой стиль парадоксальных форм и аллюзий, отражающий совмещение сна и реальности. В живописи сюрреализм ярко отражен в полотнах Магритт, Эрнста, Дали, Матты...